De viktigaste teaterfunktionerna är nära besläktade med de element som är gemensamma för alla verk eller föreställningar. Termen teater har sitt ursprung i det grekiska ordet teater, vilket betyder en "plats att leta".
Därför hänvisade teatern ursprungligen till både en plats och en viss form av uppfattning. Idag kan begreppet teater hänvisa till: en byggnad, en aktivitet ("gå till" eller "göra" teater), en institution och en konstform.
Teater är en gren av scenisk konst relaterad till skådespel och representation av berättelser framför en levande publik, med en kombination av tal, gester, landskap, musik, ljud och skådespel som försöker stimulera och upphetsa tittaren..
Sinnet spelar också en viktig roll i teatern, eftersom detta konstnärliga uttryck dechiffreras i enlighet med åskådarens uppfattning och fantasi..
Alla pjäser har gemensamma element som kännetecknar denna konst. Därefter kommer du att kunna se mer detaljerat de mest framstående funktionerna.
Det är vad som händer i arbetet. Det hänvisar till handling. Organisering av evenemang eller urval och ordning av scener i en pjäs. Enligt Aristoteles är det ett abstrakt begrepp som hänvisar till arrangemanget av de händelser som utgör råvaran och komponenterna i berättelsen..
Handlingen är hur dessa händelser är strukturerade till en sammanhängande helhet. Om arrangemanget för den ursprungliga beställningen ändras genereras en ny ram. Två typer av tomter dominerar i teatern. Här är dess huvudsakliga egenskaper och differentierande element:
Medan handlingen hänvisar till handlingen i pjäsen, hänvisar temat till betydelsen av pjäsen. Ibland anges det tydligt i titeln.
Andra gånger kan det sägas genom dialog av en karaktär som fungerar som dramatikerns röst. Ibland är ämnet mindre uppenbart och uppstår först efter analys av innehållet i arbetet..
De är människorna, djuren eller idéerna som representeras av skådespelarna i pjäsen. I strukturella termer är karaktärerna agenter för handling, de som ger motiv för att händelserna i handlingen ska inträffa..
Varje karaktär ska ha sin egen personlighet, ålder, utseende, tro, socioekonomiska bakgrund och språk. Enligt deras funktioner i verket kan vissa typer av karaktärer beskrivas:
Detta är utgångspunkten för teaterföreställningen. Det är texten som pjäsen skapas med. Den består av dialog, sceninstruktioner, karaktärsbeskrivningar och liknande i en pjäs. Avser orden skrivna av dramatikern och tolkade av karaktärerna.
Verkets särskiljande klass. Kön kommer från ett franskt ord som betyder "kategori" eller "typ". Valet av genre återspeglar författarens syn på ämnet.
Följande typer av verk spelas vanligtvis i teatern: tragedi, komedi, melodrama och tragikomedi. Var och en av dessa genrer kan delas upp ytterligare efter stil och innehåll i:
Det är en imitation av en handling som är allvarlig, komplex och relevant. Tragedi är allvarlig till sin natur och hanterar djupa problem. Dessa djupa frågor är universella och väcker medkänsla och rädsla hos publiken när de bevittnar aktionen..
Hon har visionen att få publiken att skratta, hon är vanligtvis fysisk och energisk. Uppträdandet hos de presenterade karaktärerna är löjligt och ibland absurt. Stimulerar publiken för att korrigera samhällets beteende.
Det är katastrofens drama, omständigheter utanför huvudpersonens kontroll orsakar plotens betydelsefulla händelser. Aspekter av skuld och huvudpersonens ansvar tas bort.
Huvudpersonen är ett offer för omständigheter. Melodrama har en känsla av strikt moraliskt omdöme. Alla presenterade frågor löses på ett väldefinierat sätt. Bra karaktärer belönas och dåliga karaktärer straffas.
Det är en återspegling av själva livet, det innehåller alla tidigare genrer. Det låtsas inte att döma eller göra absoluta bedömningar. Den fokuserar på karaktärsförhållanden och visar samhället i ett tillstånd av kontinuerligt flöde.
De är element som tjänar till att karakterisera skådespelarna när de återskapar en karaktär.
Avser kläder och accessoarer som bärs på scenen av en skådespelare eller artist. De forntida grekerna var pionjärerna i att utveckla specifika dräkter för varje karaktär, denna konst tjänade till att återuppliva medeltiden och representerar stora markeringar av domstolen.
Det är användningen av kosmetika för att förändra det fysiska utseendet hos en skådespelare för att anpassa sitt utseende till en viss roll eller för att kompensera för effekterna av scenbelysning..
Makeupkonsten revolutionerades genom införandet av el- och gasbelysning och har nu blivit en mycket teknisk praxis..
Ljusens placering, intensitet och färg samt ljudeffekterna hjälper regissören att kommunicera atmosfären, stämningen eller känslan i en scen.
Belysning erkändes som ett viktigt inslag i teaterproduktionen när föreställningar inomhus gavs först under renässansen, med användning av ljus och brandfarliga vätskor..
Avgörande innovationer inom ljusteknik inkluderade introduktionen av golvlampor, användningen av reflektorer för att öka ljusstrålarnas intensitet och dimningen av ljus i salongen 1876..
Utvecklingen av gasbelysning i början av 1800-talet representerade ett stort framsteg trots farorna. Användningen av elektrisk belysning började på California Theatre i San Francisco 1879.
Dagens belysningssystem i moderna teatrar styrs av mycket sofistikerade datoriserade instrumentpaneler, som kan samordna belysningen i ett helt system. Andra nya innovationer har inkluderat experiment med ultraviolett ljus, lasrar och holografi..
Ljudeffekter är det ljud som genereras för att följa en scen i en pjäs, som kan produceras av datorer eller av skådespelare på och utanför scenen..
Han är den person som är ansvarig för den totala produktionsenheten och för att samordna konstnärernas insatser. Regissörens jobb är centralt för produktionen av en pjäs, eftersom det är regissören som sätter visionen om produktionen för alla inblandade..
Regissören har den utmanande uppgiften att sätta ihop många komplexa delar av en produktion: manuset, skådespelarna, kostymerna, belysningen, ljudet och musiken till en enhetlig helhet. För att utföra denna uppgift behöver en chef:
Regissörens arbete bygger ofta på en detaljerad studie och analys av manuset som ska redigeras. Många noggranna avläsningar av manuset hjälper regissören att utveckla en individuell syn på dramatikerns avsikter. Din uppfattning kommer att påverka alla aspekter av produktionen.
Regissörer studerar också karaktärerna i manuset och samlar in så mycket information som möjligt om deras fysiska och psykologiska egenskaper, vilket är viktigt för gjutning av urval..
Grupp människor som ser jobbet. Många dramatiker och skådespelare anser att publiken är det viktigaste inslaget i teatern, eftersom all ansträngning som görs för att skriva och producera en pjäs är för publikens njutning..
På grund av att tolkarna i teatern är i direkt närvaro hos allmänheten genereras ett cirkulärt flöde av energi, skådespelaren påverkar publiken och vice versa. Denna effekt förstärks av det faktum att teatern är en gemensam händelse..
Gruppupplevelsen är oumbärlig, eftersom gruppen förstärker känslorna som individen upplever och skapar ett kollektivt medvetande. När en grupp individer svarar på samma sätt som vad som händer på scenen bekräftas och stärks deras förhållande till andra..
Graden av åtskillnad mellan skådespelarna och publiken är det som skiljer konventionell teater från deltagarteater.
I det första använder publiken sin fantasi för att delta i pjäsen medan de lossnar från handlingen. I det andra interagerar skådespelarna med publiken och försöker följa ett etablerat och improviserat manus, med betoning på personlig utveckling eller gruppterapi..
I teatern ombeds en publik att acceptera många typer av imaginära världar. Ett sätt att differentiera dessa imaginära områden är att dela upp dem i vad som kallas realistisk och orealistisk teater..
Realismen, som blev den dominerande formen av europeisk teater i slutet av 1800-talet, försöker återskapa livet så nära att publiken antar att det måste vara liv. Icke-realism, å andra sidan, försöker överskrida den observerade verkligheten och presentera den del av livet som finns i sinnet..
Det är dock ett misstag att anta att dessa två tillvägagångssätt utesluter varandra. De flesta scenuppträdanden innehåller en blandning av realistiska och orealistiska element.
Det tjänar till att återskapa den miljö där handlingen äger rum, scenografin har följande mål:
Alla dessa mål behandlas i flera möten mellan regissören, scenografen och designteamet. Senare återspeglas idéerna i skisser, som efter revideringar, analyser och modifieringar gör det möjligt att utforma scenografin som bäst anpassar sig till historien och kreativernas vision.
När detta steg är klart levereras designen till en teknisk chef som utför nödvändiga konstruktioner, justeringar och installationer på scenen för materialisering av det planerade.
Det är teaterutrustningen, som gardiner, golv, bakgrund eller plattformar, som används i en dramatisk produktion.
Det finns olika kategorier rekvisita. Mycket av de handhållna rekvisita kommer från manuset och är regissörsobjekt. Uppsättningsdesignern begär vanligtvis också uppsättning rekvisita som möbler som visas på scenen, ibland finns det en fin skiljelinje mellan denna typ av rekvisita och scenografin.
Rekvisita är alla rörliga objekt som visas under en föreställning, exklusive kostymer och scen. De är föremål som manipuleras av en eller flera aktörer. En bok, en pistol, ett glas vin, bland andra.
De representerar en viktig uppdelning i spelets utveckling. De flesta pjäser från elisabetan till 1800-talet delades in i fem akter av dramatiker eller senare redaktörer.
I slutet av 1800-talet började många författare att skriva fyrakter. Idag är en, två och tre akter de vanligaste spelen..
Det är rummet där skådespelare eller publik samlas. Det är viktigt att ha ett område där konstnären, artisten kommunicerar med en levande publik..
Teaterbyggnader utvecklades från grekernas och romarnas öppna amfiteatrar till det otroliga utbudet av former som vi ser idag. Det är ett utrymme som stöder det emotionella utbytet mellan skådespelarna och publiken.
En teaterkonvent är ett praktiskt verktyg som används av dramatikern eller regissören för att berätta historien om pjäsen i teatern. Den vanligaste teaterkonventionen är att karaktärerna pratar med varandra och låtsas att de inte märker publiken..
Ofta kallad den fjärde väggen eller den fjärde skärmkonventionen, det simulerar förekomsten av en (osynlig) uppdelning mellan skådespelarna och publiken.
När exakt teatern började är ett mysterium. Förhistoriska jägare spelade ut berättelser om sina jaktekspeditioner. De forntida egyptierna framförde heliga sånger och dansade för sina gudar i religiösa ceremonier. Men idén om teater som dramatisk underhållning kom senare.
De engelska orden för tragedi och komedi är kända för att de kommer från de antika grekernas språk. Även om grekerna inte var de första som spelade, var de mycket intresserade av tragedins och komedins ursprung..
I sina skrifter föreslog filosofen Aristoteles och andra grekiska författare teorier och skapade hypoteser om hur konstformen för teater utvecklades.
Grekiska pjäser framfördes i friluftsteatrar. I början var teatrarna i öppna områden belägna i centrum av staden eller bredvid sluttningar. Publiken var redo att lyssna och se kören sjunga om en gud eller en hjältes äventyr..
Mot slutet av 600-talet f.Kr. C. blev teaterstrukturerna mer detaljerade. När teatern blev allt populärare och mer konkurrenskraftig bland städerna blev teatrarna större med strukturer som kunde ta emot upp till 15 000 personer åt gången..
Teatern har funnits sedan folk först kom för att höra någon annan berätta en historia. Vänner och familj delade publikens och artistens ansvar och bytte roller så länge någon hade en berättelse att dela.
Modern teater kan vara mer formell, med skådespelare utbildade för att återuppta en historia och sofistikerade åskådare reagerar på en iscensättning, men tanken på att dela energier mellan spelarna och en levande publik förblir oförändrad..
Ingen har kommenterat den här artikeln än.